從美術館、博物館等藝術場館常見的白色立方空間所形成的「白盒子」，到媒體藝術、電影與錄像進入美術館後的螢幕需求而打造出的「黑盒子」，再到強調公共性及跨媒材作品展示的「灰盒子」。隨著時代演進，藝術不僅跨界，也突破空間限制，嘗試不同的創作與觀看形式，更強調民眾參與，讓藝術的影響力，拓展到每個人的眼前。

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藝術與空間的關係流變

「古典時期的博物館，都是為了皇帝或貴族所建造，牆壁不是以絨布裝飾、就是貼滿不同花紋，盡顯華麗感，更不可能開放給民眾參觀；進入現代主義後，為了不干擾對作品的欣賞，藝術場館的設計著重在空間的去中心化，四面都是白牆，也是俗稱的『白盒子』。 」說起藝術與空間的關係，北美館館長王俊傑笑說自己像在上課，但在擔任館長前，他既是藝術家，也在北藝大任教，一連串的發展脈絡介紹下來，一點都不拖泥帶水。

1969年，時任瑞士伯恩美術館館長史澤曼（Harald Szeemann）策劃「活在腦子裡：當態度變成形式（作品－觀念－過程－情境－訊息）」展覽，藝術作品不再侷限於畫布之上，而是藝術家所展現的觀念、態度與思考，更透過行為、現場製作等形式，將純白的美術館空間轉變為施工中的工地、實驗室及工作坊等場域，雖然史澤曼因此舉引發的反彈辭去館長一職，卻也揭示著當代藝術的策展起點。

而在當代或後現代的藝術發展中，隨著科技介入，開始出現結合投影或是光線呈現的作品，為了能有更好的觀看效果，「黑盒子」這般的幽暗空間也隨之而生。「如果說白盒子是現代主義留下來的樣貌，那黑盒子就相對是當代藝術的形式嗎？」答案顯然是否定的，王俊傑接續說明道，時至今日，藝術樣態不僅打破白盒子與黑盒子間的硬體空間限制，也不限於單一媒材所組成，作品的創作觀念，才是藝術本質。

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創造新的對話與觀看方式

空間的限制與定義漸趨模糊，藝術的呈現形式，自然有更多突發奇想的可能，例如2003年，丹麥裔冰島籍藝術家Ólafur Elíasson就利用天花板的半圓盤裝置與頂鏡反射出的圓，在倫敦泰特現代美術館（Tate Modern）渦輪大廳中打造出一顆人造太陽的裝置藝術，這也是他最廣為人知的作品——《天氣計畫》（The Weather Projet）。

「大家當然知道那個太陽是假的，但是配合室內開到最高溫的空調，是藝術家想要透過作品來表達環境生態的議題，進而讓觀眾思考人與自然之間的關聯性。 」對王俊傑來說，《天氣計畫》無疑是個相當成功的展覽，他曾在紐約的書報攤上翻閱這個展覽的畫冊，內容全都是與地球暖化、自然與天文等相關的研究報告與科學內容，「當代藝術已經不只有追求美感或心靈共鳴，而是藝術家透過空間場域，把觀眾帶入他與環境議題的對話中，一起思考共同面對的問題。 」

而原為北美館留白的休憩空間——3C迴廊，則是另一種空間運用形式， 館方先後邀請多位藝術家打造這個公共空間，例如2020年以「接近」為主題，賴志盛在迴廊製作高低不一的平臺，讓觀眾得以向下探望宛如池子的一樓大廳；又如2022年與樹火紀念紙博物館聯名，在迴廊中以紙打造可以隨意漫步的奇山異域。在藝術創作之下，空間也擁有了不同的觀看方式。

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凸顯當代藝術公共性

除了模糊白、黑盒子的限制，重新定義空間的運用與觀看形式外，王俊傑認為，每個博物館或藝術場域，都得在形塑定位與特色的過程中，思考如何凸顯空間與藝術的公共性。

「不是說展示作品，讓大家來看就好，必須要跟觀眾有交流和互動，最好能把影響力帶到場館之外，帶到更遠的地方。 」王俊傑列舉幾項國內外行之有年的策展活動，像是倫敦肯辛頓花園的「蛇形藝廊夏季展亭」（Serpentine Pavilion）、紐約MoMA分館PS1的「青年建築師計畫」（Young Architects Program），或是北美館自2014年開始在戶外廣場徵選的「X-site」計畫，都是試圖打破原有空間定義，透過藝術與跨領域的結合，去和社區連結、並與觀眾對話。

這幾年北美館提出「街事美術館」計畫，2022年的「無孔不入」以臺北孔廟周遭為基地，展出蔡雪溪《臺北孔子廟》畫作，也邀請在地居民透過創作訴說在地街坊故事，「對於空間的想像，得要維持一定程度的自由與開放，因為永遠不知道藝術家會丟出什麼創意。 」王俊傑相信，當代藝術始終強調多元的包容性，同時無論怎麼跨域或突破，依舊會緊扣時代脈動，透過創作回應社會議題。

文字：田育志
攝影：EGG